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试论影视动画中的动画表演创作

文章出处:发表时间:2013-07-28

    影视动画中的动画表演,不同于真正影视作品中的表演。影视动画作品中的表演要求适度夸张,适度变形。在真人表演的基础之上附加想象力,使表演更加生动更加有戏剧感。

   动画片是综合性的电影艺术,而并不是拼凑,也不是把某一门传统的艺术机械的照搬到电影中来,更不是突出某一种艺术,正如前苏联著名电影导演普多夫金所说:“这些传统艺术在电影实践中要经过根本改变,经过深刻的质的变化,其中只有一切艺术所固有的那些共同特征才原本的保存下来。”也就是说,各种艺术的独特性必然会消融在电影艺术的“综合”之中。动画片表现的更是尤为突出,表演作为动画片中的一大艺术,它不同于电影上的表演,有其最根本最独特的一面。
                      动画中的动画表演 
   说到表演其实它映射到的范围很大,一般意义上的表演是指:演奏乐曲、上演剧本、朗诵诗词等直接或借助技术设备以声音、表情、动作公开再现作品的行为。 最主要的体现就是影视作品,在电影当中演员扮演着十分重要的角色,他们的表演决定着电影的成功与否。有些题材的电影适合内敛的表演,有的则需要外化的表演。其实大多数电影没有这么明显的区别,在表演的尺度上我们要根据导演所要表达的思想,对语言进行动作上的加工,从而达到表演的目的。电影的表演又不同于动画片中的表演,动画片中的表演不能像电影那样只完成动作就行,它们需要更高层次的概括和加工,动画表演讲究的是时间,节奏,速率,力度,重量感。动画表演当中我们考虑的往往不只是动作的协调性和美观性,我们还要考虑动作与人物的性格是不是搭配。
   影视作品来源于生活,但高于生活。表演本身就带了一种戏剧化的成分,但是我们这里所谈的是动画的表演,动画是基于影视之上的又一次概括和抽象,它的高度不仅高于现实,又高于高于现实生活的影视作品,所以动画的表演不仅仅是戏剧化,而是更加抽象和夸张的总结。我们在设计动作的时候就要考虑,是不是能引起观众的共鸣。说到底不管是动画片,还是真人电影,他们归根到底都属于影视作品。影视作品的表演首先要做到的就是可以让观众理解,所选择的演员(动画片中所设计的角色)都是服务于剧情的,所以,我们要遵循的第一个原则就是:表演要让观众理解。
   动画表演中不仅仅强调的形体语言,台词语言和形体语言一样重要。最明显的就是肢体,肢体表情动作,面部表情动作,言语表情动作。客观上的条件反射是不能称之为肢体语言的,只有受主观意识驱使或主观情绪影响所形成的动作才能成为肢体语言。动作之所以形成肢体语言,必带有主观行动性。根据唯物主义哲学观来说,人是有意识的,先有意识,才有动作,大脑中的意识驱使肢体发生动作。所以也可以说动画片中外化的表演是为了表达主人公的内心世界,反应他的心理活动。在表演中的动作幅度取决于影响角色的主客观因素。例如:环境,遭遇,性格,情绪等等的因素。
   怎样才能让高于生活的故事充满戏剧感?怎么样又能做到让它在动画片中展现?这些都依赖于表演。影视作品是很真实的反应生活中的故事,虽然也加入了人为的一些因素使它高于生活,但是从表演的意义上讲还是真实世界的一个再现。而动画表演不仅仅完成的是再现,已经升华为以一种表现的艺术。动画的表演不同于真人表演就是新增了夸张变形。夸张变形其实就是在原本动作上合理的伸缩。夸张变形是动画表演的重要特征,合理的使动作夸张变形,能使动画片更加具有戏剧性,表演性,节奏性。
   为了使动画片能让观众接受,既要达到夸张变形的目的,又要符合逻辑,到底怎么才能做到适度的夸张变形?
根据我们所设定的人物性格和他所接触到的环境,遭遇,故事情节的起伏变化,来设定他的行为动作,同时也要考虑他当时的心理感受,这套动作经过夸张变形之后是否适合他当时的情绪。按照另一个说法它必须是一种符合人物心里状况、职业、省份、生理特点、性格特征、人物关系等等的合乎情理的伸缩,或者拉长了或者缩短了,或是膨胀了或是压扁了,而且要明确为什么要用这样的夸张变形而不用其他形式。     总而言之,动画表演需要变形夸张,但是要适度.
   动画表演的创作方法  首先,积累生活是动画表演创作的源泉。 动画表演的创作方法是基于动画角色之上的。首先要攻克就是动画角色的创作,要有一个好的角色,就要有一个好的剧本。这一切就像是一个食物链,所以最初的工作要做好,动画片是靠原画设计人员画出人物的动作、表情来塑造性格的,因此,原画设计人员出来要具有一定的绘画基础和表演基础外,还要掌握物理原理和物体运动规律等技能。
   故事片真正体现剧情,创造人物性格靠的是演员的演技。而动画片的“演员”就是原画设定设计出来的角色。要对角色的表演进行加工和美化,这就需要我们多看一些电影、话剧、戏剧、相声、曲艺,因为艺术是相通的,可以从中学习,丰富表演的技巧。尤其是美国经典动画片,他们对于表演的处理很独特,很有趣味性,变形夸张都处理的不错,我们可以从中汲取养分,来不断提高表演方面的修养。
   动画中的表演创作,还受到创作者本身阅历的影响,有时候在创作中会出现对生活不了解、不熟悉的事情,画起来无从下手,这样只有查找资料,参考临摹。所以,对于一个动画原画设计者来说,要创造出好的表演动势,就必须首先做到细致的观察生活,多积累一些生活知识:一是自己平时多看、多学、多记、多留意、多画、多想已达到积累生活的目的;二是从古今中外著作中得到一些经典的表演知识。生活面越广,创作剧中人物就会越有把握,因此积累生活是创作的源泉。
   其次,分析剧中的角色特点,是动画表演创作的关键。
   这一步首先要对一个文字脚本有充分的把握。根据导演所要表达的思想,分析剧中人物适合什么样的动势来表达感情,什么时间需要什么样的情感变化,分析环境、故事情节、人物遭遇对角色的影响。由于所处环境的不同,人物的形体动作也会有所不同。形体动作发生的同时也伴随有表情的变化,所以在考虑肢体动作的时候,还要考虑表情的变化。具体到每一个故事情节,还要更加精确的分析,每一个动作发生的节奏、速率和时间,针对不同的时间我们要采用不同的不同的表演形式,以适合角色的性格特点。
   最后,拿出画笔发挥想象力和聪明才智画出合适的表演动势是动画表演创作的成果。
   完成以上两个步骤之后,接下来的就很容易完成,但是前提是原画设计师必须有足够强的绘画能力。当这些设想全部肯定之后,可以将设想的动势图画成2-3厘米大小的原画动势分析草图,再从草图中研究一下整个动作是否到位,戏份是否做足,主要动作是否需要进一步修改。这时在按照草图上成熟的设想画成原画草图。
   当完成原画设计草图之后,应反复翻动,看动作是否合理,是否符合运动规律,是否体现了力的作用,是否应用了夸张变形,是否注意了人物重心的平衡,动作是否在运动线上,最后要看看,表演出来的动态是否表现得生动有趣。有了这些,表演的动势图还害怕创作不出来吗?
   其实动画中的动画表演创作,是决定一部动画片是否受到观众喜爱的最大因素。
   动画表演案例分析  在影视动画中表现出夸张变形的表演艺术感的是以迪士尼为代表的动画片。《猫和老鼠》《白雪公主》《狮子王》《公主和青蛙》《美女与野兽》等等都加入了夸张变形的因素,除此之外,迪士尼还对动物加入了拟人化的处理手法。动画片本身就对现实生活进行了高度的概括和总结,就算是写实性的动画片表现出来的也有一定的戏剧感。
   下面就《公主与青蛙》分析以上所论述的有关影视动画中的动画表演。影片整体中有部分情节应用歌剧的表现形式,人物为了表达自己内心的情感,边唱边跳,在这部影片当中表演的还有配角。在这部动画电影中青蛙的舌头可以无限伸长,甚至可以缠自己的头几圈;蛇不再是那么恐怖,小蛇可以用尾巴摇滚轮来带动站在上面的老太太,模仿电梯的效果;萤火虫可以有人的思想,用手拍打着自己的身躯向别人炫耀这那发光的大屁股;鳄鱼可以跳舞,可以吹小喇叭,还能痛苦的针扎??
   电影开头就用夸张的表演吸引了观众的眼球,夏洛特和戴安娜两个小女孩的精彩表演,体现了在动画片中不同于影视作品中的真人表演,夏洛特用小手拽着父亲的两撮胡子撒娇,这段动作完全采用了夸张的手法,表现了小女孩不知天高地厚童真的心理。
   当戴安娜听完父亲的故事,手里拿着父亲写着“我们的食物”画报开心的对着星星许愿,她默念着:“拜托拜托......”突然出现了一只青蛙在窗台上,她好奇的看着,突然青蛙肚子一下子变大,吓得她哇的一声,赶忙拉上窗帘。这时戴安娜的身体仿佛都不成自己的了,比例拉大,动作夸张,正是这种夸张的处理手法,表达了小戴安娜受到惊吓时的状态。很合理,也很有戏剧感。此时电影也到了另一种状态,通过光效的处理,进门而来的已经长大的戴安娜。本部动画片开篇很诱人,不仅有对动作的夸张还有对人体形态的夸张,节奏舒缓有序。根据百老汇歌剧的形式,作品中即融入了歌剧的乐感,又有造型的夸张变形。整体处理很到位,尤其是角色的表演更是丰富多彩。
   在戴安娜工作的时候,端盘子,接食物,不仅仅靠的是手,头,脚,全上了。随着音乐的节奏,盘子也更着变形,仿佛人是有弹性的,很柔软,表演很夸张很有活力。餐厅的厨师也是十分有趣的一个人物,虽然长得很胖,但是手上的动作仍然是很利索,他用铲子拍打着自己的屁股,唱着歌。突然来到这里的夏洛特仍然和小时候

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